RT22.RU Радиотехника 20 века, форумы

Два мальчика в возрасте 11 лет в Квинсе обнаружили, что когда они пели вместе, сойдёт что-то с звука, которое ни один из них не смог произвести в одиночку. Это открытие определило следующие семь десятилетий.
Пол Фредерик Саймон родился 13 октября 1941 года в Ньюарк, штат Нью-Джерси, сын Луиса Саймона — джазового музыканта и бандлера танцев — и Белле Саймон, учительница начальной школы. Семья Саймон переехала в Квинс к моменту, когда Пол учился в школе, и Арт Гарфункел был в той же шестой классе в PS 164 в Форест-Хиллс. Двойка дважды выпустили сингл под названием "Hey Schoolgirl" в 1957 году. Он достиг 49-го места в чарте Billboard. Никто не предсказал, что будет.
Как Саймон и Гарфункел, они записали "The Sound of Silence" в 1964 году — две голоса, одна акустическая гитара — для своего дебютного альбома "Wednesday Morning", 3 A.M. Альбом продавался плохо. Columbia Records отложила свои планы на дует. Саймон переехал в Англию. Насколько знал кто-либо, "The Sound of Silence" появился и исчез.
Потом продюсер Columbia Records по имени Том Уилсон взял этот акустический запись, добавил электронную гитару, электрический бас и барабаны, не сообщая Саймону или Гарфункелу, и выпустил её в сентябре 1965 года. Песня попала в число самых продаваемых альбомов в истории американской поп-музыки. Название песни было использовано в более чем восьми похоронах и моментах национального горя, чем в любой другой песне на английском языке. Потом они расстались.
Личная напряженность между Саймоном и Гарфункелем — настолько настоящая и постоянная, как и музыка — накопилась на протяжении многих лет, когда Саймон писал всё, а Гарфункел занимался фильмами. Разрыв между ними стал неоправданным.
Саймон и Гарфункел провели бесплатный концерт в 1973 году, где мелодия "Mother and Child Reunion" звучала неизбежно. "50 Ways to Leave Your Lover" в 1975 году был создан вокруг сложного, полиритмического ритма на барабанах, созданного барабанщиком Стивом Гэддом — это стало Саймоном единственным синглом, который занял первое место в Billboard Hot 100.
19 сентября 1981 года Саймон и Гарфункел провели бесплатный концерт на Большом луне Центрального парка в Нью-Йорке. Очередные 500 000 человек посетили концерт, что сделало его одним из самых крупных концертов в истории Соединенных Штатов. По собственным сведениям, они были неудобны друг другу почти сразу после этого.
Затем в 1986 году появился Graceland. Саймон путешествовал в Южную Африку во время антиапартеидного культурного бойкота и работал с музыкантами из Южной Африки, играя ритмы mbaqanga. Решение привлекло обвинения в культурном присвоении и нарушении бойкота. Музыкант, с которым Саймон женился, Эдди Брикелл, и они были вместе с 1983 года.
В 2023 году Саймон публично рассказал о потере почти всего слуховой способности своего левого уха. Объявление совпало с документальным фильмом "In Restless Dreams: The Music of Paul Simon", снятым Алексом Гибней, который подписал Саймона в 2024 году, а затем снова в 2001 году, когда Саймон стал сольным артистом.
13 октября 2026 года Пол Саймон исполнился восемьдесят пять лет. Песни, которые он создал, появляются в фильмах, рекламных роликах, похоронах, свадьбах и в воспоминаниях людей, родившихся десятилетия спустя после того, как их написали. "Звук тишины" исполнялся больше раз, чем кто-либо мог посчитать. "Мост над тревожным водом" исполнялся в более много моментов коллективного горя, чем любая другая песня на английском языке. "Грэйсленд" изменило то, как мог звучать американский альбом.
Два мальчика в возрасте восьмидесяти лет в Квинсе обнаружили что-то в 1953 году. Восьмидесят пять лет спустя, открытие все еще звучит.

Речь идет о невзрачном на вид, полированном пианино Steinway & Sons (модель Z) орехового цвета. Джон Леннон купил его в 1970 году в качестве подарка своей жене Йоко Оно всего примерно за 1000 фунтов стерлингов. Именно за этим неприметным домашним пианино в усадьбе Титтенхёрст Леннон сочинил и записал свой главный пацифистский гимн — песню Imagine. На инструменте даже остались следы от сигарет, которые Леннон забывал в пепельнице во время работы.В октябре 2000 года пианино выставили на торги в лондонском Hard Rock Cafe. Вокруг лота развернулась нешуточная борьба. На него претендовали такие британские суперзвезды, как Робби Уильямс и братья Ноэл и Лиам Галлахеры из группы Oasis.
Торги велись в том числе через интернет. Чтобы гарантированно обойти конкурентов, Джордж Майкл делал ставки инкогнито и в итоге забрал инструмент за колоссальные 1,45 миллиона фунтов стерлингов (на тот момент — около 2,1 миллиона долларов). Сумма стала абсолютным мировым рекордом стоимости для аукционных музыкальных инструментов на тот момент. В интервью лондонскому Capital Radio сразу после раскрытия своего инкогнито Джордж Майкл объяснил, зачем пошел на такие траты.
Майкл очень боялся, что раритет выкупит какой-нибудь частный коллекционер из США или Японии и инструмент навсегда покинет Великобританию. Певец признался: «Заплатив за него полтора миллиона, я все же очень хочу сначала сыграть на нем что-нибудь и записать для своего следующего альбома». В итоге он использовал инструмент при записи заглавного трека своего альбома Patience (2004).
В хронику рок-событий 22 октября эта история попала потому, что спустя несколько дней после завершения сделки и оформления всех документов Джордж Майкл дал свое знаменитое развернутое интервью, публично подтвердил покупку и рассказал миру о своих планах отправить пианино в международный «Тур мира».
Несмотря на то, что после переезда Леннона в США в 1971 году само поместье Титтенхёрст вместе со звукозаписывающей студией и частью обстановки выкупил Ринго Старр, это конкретное пианино Steinway Model Z оставалось юридической собственностью семьи Леннона.
В 1992 году фонд наследия музыканта, управляемый его вдовой Йоко Оно, принял решение выставить культовый инструмент на продажу. Именно тогда на закрытых торгах его и приобрел тот самый частный коллекционер из Великобритании, у которого спустя 8 лет Джордж Майкл перекупил пианино за рекордные миллионы.

Он сказал, что уходит, а ему не поверили
Почти тридцать лет Билл Уаймен и Чарли Уоттс составляли ритмическую основу Rolling Stones, и когда в 1991 году басист объявил, что покидает группу, коллеги просто отказались воспринимать его всерьёз.
Уаймен вспоминал, как во время обсуждения очередных планов честно предупредил, что участвовать в них не будет, а в ответ услышал уверенное: «Ты не уходишь». Он настаивал, что всё решил, но остальные были уверены - передумает.
В 1993 году «Роллинги» собирались для новой записи и будущего тура. Джаггер и Уоттс приехали к Биллу домой на ужин и спросили, действительно ли он ушёл. Уаймен напомнил, что сообщил об этом ещё два года назад и решение не изменил. Ответ их не обрадовал, но пришлось смириться и объявить всё официально.
Основными причинами были дикая усталость от стадионного конвейера и желание пожить другой жизнью, но был и финансовый момент.
«Я держался ради туров в 1989 и 1990 годах после семи лет полного затишья, и в итоге у меня образовался долг в банке на £200 000, потому что мы ничего не зарабатывали. Мик и Кит были сказочно богаты, поэтому их это не волновало, а мы с Чарли Уоттсом и Ронни Вудом буквально перебивались с хлеба на квас», - рассказывал Уаймен.
Ему хотелось писать книги, заниматься фотографией и археологией, проводить больше времени с семьёй и развивать ресторан «Sticky Fingers», который открыл ещё в 89-м. Билл даже спроектировал модель металлоискателя, с которым за годы поисков находил древнеримские монеты и другие исторические артефакты. Спустя время собрал Bill Wyman’s Rhythm Kings, но уже без вечной гонки за чартами и изнуряющих гастролей, а ради чистого удовольствия.
Вчера Биллу Уаймену исполнилось 90 лет! С 23 по 27 октября в честь юбилея в Лондоне проходит выставка фотографий, которые он делал десятилетиями. В экспозиции «Iconic Images Gallery» можно увидеть Джона Леннона, Брайана Джонса, Марка Шагала, самих Stones и множество редких кадров из закулисья.

Каждый раз, когда я посещаю концерт Ringo Starr и His All Starr Band, я поражаюсь полным невероятным чувством. Вот один человек, который уже в 80 лет, выскакивает на сцену, носит свои знаковые солнцезащитные очки, мигает двумя знаками мира и практически излучает энергию. Рок-н-ролл был изначально разработан как игра для молодого человека, бунт, предназначенный для того, чтобы быстро и ярко сгореть. Однако Ringo Starr не только пережил самый хаотичный период в истории музыки; он активно превосходит музыкантов в своей возрастной группе. Его карьера выдерживала нечто большее, чем просто медицинское и музыкальное чудо.
Чтобы полностью оценить стойкость Ringo сегодня, фанатам нужно посмотреть на его молодость. Ричард Старки был больным ребёнком в рабочем классе Ливерпуля. Он почти умер от перитонита после вырождения аппендикса в возрасте шестнадцати лет, провёл год в больнице. В тринадцать лет он заболел туберкулёй и провёл ещё два года в санатории. Он был настолько больным, что едва получал образование. Это то, что этот же человек теперь играет на барабане в течение двух часов на стадионе в своём девятом десятилетии, исполняя идеально синхронизированную, тяжелую ритмичную песню "Come Together" или бешеную свинью "Boys" день за днём на глобальных турах. В 1988 году он и его жена, Барбара Бах, проверили себя в реабилитационном центре. Состояние его жизни и карьеры спасло его жизнь и карьеру. С тех пор Ringo стал необычно сосредоточенным на своём здоровье. Он путешествует с личным тренером, соблюдает строгую вегетарианскую диету (он известен тем, что приписывает свою молодость броколи и черники), и относится к своему телу с уважением профессионального атлета.
Но физическое здоровье — это только половина уравнения; другая половина — это его мышление. Ринго выступает, потому что он искренне, глубоко любит это. Когда вы смотрите на него сегодня за китом, вы можете увидеть ту же глупую, радостную улыбку, которую он носил в Вашингтонском колизее в 1964 году. Он не находит себя там только ради зарплаты — он очень богатый человек. Он там, потому что акт создания музыки с другими людьми сохраняет его дух молодым. Его универсальный мантра "Мир и Любовь" часто смеются над ним циничными СМИ, но для фанатов это секрет его долголетия. Каждый год в его день рождения, Ринго просит весь мир остановиться в полдень и проецировать "Мир и Любовь". Он не шутит. Он выбрал фильтровать крайние взлёты и горькие падения своей безпрецедентной жизни через объектив глубокой позитивности.
Видеть Ринго Старра на сцене сегодня — это привилегия. Он один из последних живых мостов к абсолютному эпицентру культурной революции 1960-х годов. Он доказывает, что рок-н-ролл не обязательно заканчивается трагедией, выгоранием или циничным пенсией. Оставаясь трезвым, активным и никогда не теряя чистой радости играть стабильный бэкбайт со своими друзьями, Ринго показал нам, как стареть с достоинством, силой и изобилием мира и любви.

Кто о чём - а я о любимой опере. На сей раз - потому что именно 27 октября 1970 года вышла эта пластинка, Jesus Christ Superstar.
Много об этом написано и говорено, поэтому на сей раз - просто о любопытных фактах.
Первый.
Сначала Тим Райс (автор текста)назвал оперу просто "Иисус Христос". Но чего-то ему не хватало. И вот как-то утром он прочел в газете заголовок статьи "Том Джонс - мировая суперзвезда". И тут Тима осенило - вот какого слова не хватает в названии. Так и возникло - Superstar. И при чем тут Том Джонс?..И знает ли он вообще об этом?..
Стукнуло этим двум молодцам (Вебберу и Райсу) в голову позвать на главную роль Джона Леннона. Узнали об этом в прессе. Идею подхватили менеджеры Джона, а потом и он сам - снизошел, что называется...
И согласился! Но - с одним условием. Партию Марии Магдалены должна петь Йоко Оно.
Как услышали об этом авторы - сразу у них все желание пропало. Во-первых, потому, что у Йоко голоса никогда не было, а во-вторых - потому что эти две непростые, скажем так, личности в одном флаконе представляли собой вполне даже взрывоопасную смесь..
Веббер так прямо и сказал:"На это я пойтить не могу!"
Так и появился Гиллан. И слава богу!
И еще.
Лучше Гиллана никто так и не спел, хотя попыток хватало. Это понимал и режиссер Норман Джуисон, когда приступал к съемкам фильма. Поэтому и предложил Яну главную роль и гонорар озвучил : $10 000. На что певец усмехнулся и сказал, что за месяц гастролей родного коллектива Deep Purple (а именно столько должны были продлиться съемки) он получит в 5 раз больше. Да и группу подводить - как-то не по-пацански.
Спел Иисуса в картине в результате Тэд Нили, и слушать его натужный фальцет - это больно...
Ну,да ладно. Речь все-таки о диске. 56 лет назад мы все получили шедевр - настоящую энциклопедию рок-музыки. Такой больше не будет ни-ко-гда.

В 1970 году для внешнего мира Пол Маккартни имел всё. Он был одним четвертом самого успешного гурла в истории человечества, богатым до предела и всеми силами привлеченным к алкоголю. Ему не нужен был ещё один хит; ему нужна была убежище. Он нашёл его на суровом, морозном и крайне не привлекательном Хай Парк Фарме в Кинтайрском полуострове Шотландии. Жизнь семьи Маккартни на этой ферме не была просто побегом от знаменитостей; это был акт выживания и основа для ярко укоренённой семейной жизни.
Когда Пол и Линда отступили в Шотландию, Хай Парк Фарме в целом был разрушенным руином. У него был утечка крыши, никакой правильной сантехники и нулевая роскошь. Для человека, привыкшего к лучшим отелям в Лондоне и Нью-Йорке, это был огромный шок для системы. Но Линда, которая точно знала, что Пол нуждается в чем-то, знала точно, что ему нужно. Вместе они скатывали рукавы и начали ремонтировать ферму.
Жизнь на ферме была агрессивно обычной, что именно это и сделало её волшебной. Для фанатов было интересно осознать, что акустическая, сырая и замечательно беспорядочная гениальность раннего соло-альбома Пола, RAM, была полностью вырожденной из этого сельского изоляции.
С ростом их семьи, Маккартни в конечном итоге переехали в более крупную, более практичную ферму в Ист-Сассекс, Англия, но их основная философия оставалась точно такой же. Несмотря на огромную богатство, Пол и Линда решили не воспитывать "Голливудских" детей. Хизер, Мэри, Стелла и Джеймс не ходили в элитные частные школы. Дети ходили в местные государственные школы. Домой, они ждали, чтобы делать домашние дела, выгонять коней и помогать в приготовлении еды.
Возможно, самый определяющий аспект их фермерской жизни был их пробуждение к правам животных. Это произошло на их ферме, известно, когда они ели воскресную ягненку и смотрели, как их собственные овцы играются за окном, когда Пол и Линда внезапно создали связь на всю жизнь. Они стали преданными вегетарианцами на месте. Их ферма стала настоящим убежищем, где животные были выращены, чтобы прожить свою естественную жизнь, а не для убийства. Линда позже превратила эту философию фермы-кухни в огромное вегетарианское императорство.
Оглядываясь назад, фермерская жизнь Маккартни является свидетельством основательной силы любви и природы. В эпоху, когда рок-звезды умирали от передозировок или теряли рассудок в особняках, Пол Маккартни шел по грязи в сапогах Уэльсинга, держа в руке свою жену, и смотрел, как его дети играют в грязи. Ферма не просто дала Пола место, откуда можно было убежать от последствий The Beatles; она вернула ему человеческую природу.

Джордж Мартин говорил как это всё было прекрасно вначале и как хреново в конце....
Сначала нашей задачей, как продюсеров и звукорежиссеров, было "зафиксировать звук" таким, какой он есть. Буквально с фотографической точностью. Далее, с развитием звукозаписывающей аппаратуры и технологий мы стали "рисовать" звуковые картины".
На мой взгляд, где-то здесь и проходит водораздел между "романтическим", живым, обаятельным периодом рока 60-х, когда музыканты писали свои песни, рассчитывая в первую очередь на прямое общение с публикой, и тем, что случилось с рок-музыкой позже.
То есть, примерно по тому времени, когда музыканты научились "писать звуковые картины" при помощи модных "технологий", приглашенных симфонических оркестров и многодорожечных магнитофонов исключительно для альбомного издания.
И, пожалуй, первым на этот путь ступил американский гитарист Лес Пол
первым наложивший запись своей гитары на запись своей же гитары и вокал своей поющей жены Мэри Форд на вокал ...Мэри Форд.
Водораздел в музыке 60-х проходит примерно там, где появились композиции, которые уже невозможно было сыграть "один-в-один" на концерте.
После фантастических записей Битлз (Например, Day in the Life) стало ясно, что многие "студийные" хиты можно услышать только на пластинках.
Позже это подтвердили Pink Floyd и даже сам Гленн Гульд, вообще отказавшийся от концертных выступлений в пользу студийной работы и провозгласивший конец "эры живых выступлений".
Ведь именно открывшиеся широчайшие технические возможности, особенно в период конвертации аналогового звука в "цифру" CD-носителя, стали источником фантастической ремастеринговой "отсебятины", вследствие которой меломаны всего мира плюются, слушая переиздания 80-х, 90-х или 2000-х

1963 г. Группа Outlaws с соло-гитаристом Ричи Блэкмором аккомпанирует на британских гастролях Джерри Ли Льюиса. Американские звезды тогда экономили на приезде с собственной группой и нанимали аккомпанемент на месте, благо музыкальная молодёжь знала их хиты наизусть. Отличная школа для молодых англичан.


28 октября 1961 года в ливерпульский магазин грампластинок «NEMS» (принадлежавший 27-летнему коммерсанту Брайану Эпстайну) — зашёл посетитель по имени Kurt Raymond Jones, который
спросил: есть ли в продаже сингл “My Bonnie” от группы The Beatles, записанный в Германии.
Такой пластинки у Брайана не оказалось. Её название он отыскал лишь в каталоге импорта... и был крайне удивлён, узнав, что речь идет не о немецком, а об английском, даже ливерпульском ансамбле: который к тому же почти ежедневно выступал буквально в двухстах метрах от магазина Эпстайна, в клубе «Cavern».
Брайан стремился полностью владеть информацией о предмете своего бизнеса, и поэтому сам отправился в расположенный за углом клуб. Послушав и оценив исполнение — он сразу же отметил редкую обаятельность музыкантов: и немного подумав, решил предложить им сотрудничество.
Менеджера у квартета в тот период не было (отношения с Уильямсом из-за финансовых разногласий испортились), так что музыканты охотно согласились).
И вскоре, 13 ноября 1961 года, The Beatles подписали контракт, в соответствии с которым их официальным менеджером становился Брайан Эпстайн

Интервью Ричи журналу Stars & Stripes, 6 октября 1976 года:
«Ричи Блэкмор – еще одна звезда шестидесятых (Deep Purple), которая пытается войти в семидесятые с новой группой (Rainbow). В этом шансов у него больше, чем у остальных; он имеет мало общего с другими музыкантами в той же категории. Он не просто играет одну и ту же музыку.
Перед нашей встречей во франкфуртском Jahrhunderthalle один из старейших представителей его окружения, англичанин в пиджаке и галстуке, попросивший оставаться анонимом, не типичный человек для хэви-метал шоу, предупредил меня: «Это не очередной длинноволосый бездарь, каких ты, без сомнения часто встречал. Он очень умный, начитанный и опытный человек, хорошо понимающий человеческую природу».
Когда мягкий, немного скромный Блэкмор настраивал гитару при тускло горящих свечах, сложилась спокойная и задумчивая атмосфера, которую часто ощущаешь на концертах классической музыки, и почти никогда в роке. Он слегка улыбнулся, производя впечатление писателя, которому каким-то образом в руки попал Фендер Стратокастер.
В пресс-релизе сказано, что Блэкмор любит барочную и средневековую музыку. Я решил, что это будет хорошей темой для начала интервью, и быстро понял, что прошлое не просто его интерес – это страсть. XX век мало его волнует.
«В сердце я романтик. Признаюсь, что мечтаю оказаться в XVI веке. Я люблю наряжаться. В Америке я часто хожу на ярмарки – там проводят такие старинные ренессансные ярмарки – обожаю эту атмосферу. Может, это связано с реинкарнацией; я увлекаюсь изучением паранормальных явлений. Все связано. В немецкой барочной музыке мне нравятся очень драматичные гармонии. Обычно они минорные – все, что я сочиняю, строится на минорных гармониях. Как-то я писал одну песню в мажоре, и это было очень непросто.
Мне и моим ушам очень приятен этот период. Такая музыка звучит пышно и торжественно; в то же время, она возвышенная. И я люблю все немецкое. Немцы тяжело работают и тяжело играют. Мне кажется, что в эпохе барокко особенный дух. Эта музыка агрессивна, но все равно романтична, в ней нет места всякой чепухе».
Его кумир – Бах.
«Но также мне нравятся такие композиторы, как Сусато. Насколько я знаю, он родом из Голландии, известно о нем немного. Большинство произведений, которые мне нравятся, остались анонимными.
Такая музыка очень напоминает мне рок-н-ролл своим драматизмом, и в ней используются лады - тогда играли в ладах, а не гаммами. Мне это очень нравится. Средневековые гармонии очень легко ложатся в роковые песни. Я продолжаю с этим экспериментировать».
Почему он продолжает в основном играть рок-н-ролл, ведь слушателям в этом жанре обычно не хватает знаний или интереса, чтобы вдаваться в подробности творчества Сусато и Баха?
«Я человек крайностей; обожаю крайности, для меня это одна крайность, но я люблю и другую. Что касается этой – судя по всему, я в ней очень хорош. Можно сказать, что я известен как раз за это, и этим зарабатываю. Но в то же время, мне очень нравится играть рок-н-ролл, иначе бы я не стал этим заниматься. Когда я спокоен, то слушаю барочную камерную музыку; скрипачей, потому что скрипачи более образованны, чем все ныне живущие гитаристы – конечно, есть всякие Сеговии, но что странно – я не очень интересуюсь классической гитарой.
Я играю на виолончели, не очень хорошо – меня интересуют виолончель и скрипка. Я пытаюсь по-своему излагать виолончельные и скрипичные фразы, потому что они почему-то звучат лучше, чем фразы большинства гитаристов. После 20 лет игры на гитаре я больше не могу слушать гитаристов. Особенно в сравнении с музыкантами вроде скрипача Пинхаса Цукермана, ему всего 28 лет, но играет он невероятно. Его фразировка намного лучше, чем у современных гитаристов. Мне нравятся все классические инструменты, особенно орган. Я люблю слушать церковный орган, знаете – баховские вещи, сыгранные на церковном органе. Звучит поразительно. Как гитара, пропущенная через усилитель. Очень громко, драматично и смело – пробирает до мурашек».
Сейчас он мало занимается на гитаре, но уделяет время игре на виолончели. С годами его подход к занятиям изменился.
«Где-то лет пять назад я много занимался. Сейчас я занимаюсь не так часто. Я стараюсь больше думать о песнях, чем о соло. Соло придут сами, если песня меня вдохновит. Я никогда не думаю так: «О, в песню нужно вставить эту маленькую трель или эту маленькую фразу, которую я натренировал». Никогда. Это путь в никуда.
Мне кажется, такое часто можно заметить в современных гитарных соло. Попадаются гитаристы, которые в соло играют заученные фразы, вместо того, чтобы вслушиваться в песню и использовать опыт игры на своем инструменте в ее контексте. Такие гитаристы думают: «Так, буду играть как можно быстрее, и вставлю эту фразу в ля-миноре, которую выучил четыре года назад, я тренировался и тренировался каждый день, играя эту фразу, и все будет звучать круто». Не будет. Чаще всего такие фразы совершенно не вписываются в музыку. Обычно перед записью соло я сажусь и минут пятнадцать слушаю главную мелодию, разбираюсь, куда движется песня. В каком направлении? В какой гармонии? Что бы мне хотелось услышать?
То, что я хочу слышать на инструменте - не то же самое, что я могу легко сыграть. Я пытаюсь представить, как можно развить песню. Другими словами – словно продолжить вокальную партию. Я хочу, чтобы гитара пела, а не просто наигрывала соло между местами с голосом».
Блэкмор играет на обычном Фендере, который можно купить в магазине, но он его немного доработал, в основном в области грифа.
«Они вогнутые», сказал он, держа гитару так, чтобы я мог видеть лады. «Я люблю захватывать струну пальцем и удерживать ее. Когда начинаешь делать вибрато, часто бывает так» - он показал, как пальцы соскакивают со струны.
Также он переделал электрику внутри гитары, чтобы снизить помехи от электронной радуги, которая на сцене нависает над музыкантами и освещает сцену набором из четырех цветов.
«Оказалось, что радуга вызывает сильные помехи. У меня очень чувствительный усилитель – он ловит все внешние волны и передачи. Иногда я выходил на сцену, и помехи были громче, чем гитара. Поэтому я переделал схему, теперь гитара работает не на высоком напряжении, а на низком, благодаря этому почти все помехи исчезли».
Блэкмор получил мировую известность как гитарист ныне недействующей группы Deep Purple, но она ему надоела.
«Мне почти все надоедает. И они тоже. Мне кажется, если быть честным, то всем все надоедает. Многие держатся за свою работу только потому, что так принято. Они думают: «Ну, у меня есть работа, я ее не люблю, но буду за нее держаться, жене нужны деньги, бла-бла-бла». Но что касается меня – с Deep Purple я заработал достаточно денег. Я решил: «Пришло время уходить, потому что я не верю в группу». В музыку я верил, но не в состав группы. Поэтому я продолжаю играть музыку, похожую на Deep Purple. Похожую, но, конечно, с другими музыкантами. В группе много энтузиазма, как и в любом новом начинании. Как только группа мне надоест, я займусь чем-нибудь другим».
Обычный вопрос о музыкальном направлении был встречен презрением к обычным вопросам.
«Я считаю, что музыкант всегда развивается, но когда спрашивают: «Какое у тебя направление», как на это ответить? У меня одно направление – то, в котором я живу каждый день. Что уготовил мне Бог, то и будет моим направлением. Я не могу ответить, в каком направлении я иду. Если бы я мог, то тогда зарабатывал предсказаниями».
Возможно, Блэкмор и не предсказатель, но его убеждения далеки от традиционных.
«Давайте скажем так: я верю во многое из того, во что не верят остальные. В реинкарнации нет ничего странного. Я считаю, что это естественно. Не верю, что реинкарнация ждет всех, но я считаю, что это произойдет с теми, кто об этом знает.
Но это совсем личная тема. Я не очень хочу делиться своим мнением, потому что оно может затронуть чье-то чужое мнение. Я считаю, что каждый должен сам составлять собственное суждение по этой теме. Я твердо верю в реинкарнацию, но думаю, что эта тема – хоть она и связана с музыкой – так глубока, что о ней не получится поговорить».
Он основывает свои исследования на общении с людьми, которых встречает в турах, и которые имели опыт общения с паранормальным. Для Блэкмора это очень серьезная тема.
«Я часто спрашиваю: «Что случалось в вашей жизни? Бывало такое, что с вами происходило нечто странное?». Я компилирую все эти истории и свожу их с собственным опытом, много читаю о паранормальных явлениях и подобных вещах. Это необходимость. Нельзя просто жить пластиковой жизнью: «Надо зарабатывать и кормить жену и детей, больше ничего нет». Нужно смотреть дальше. Не думаю, что пока пришел к каким-то выводам. На это у меня уйдет еще лет 20, если я столько проживу...»

РОББИ ВАН ЛЕУВЕН • ROBBIE VAN LEEUWEN.
Родился 29 октября 1944 года.
Голландский гитарист, ситарист и автор песен. Наиболее известен как основатель и автор большинства песен рок-группы SHOCKING BLUE.
В 1960-х годах Робби ван Леувен играл в группах The Atmospheres, Motions, The Ricochets. Стиль Леувена формировался
под влиянием британского рока и американского ритм-энд-блюза. Из-за конфликта с вокалистом Motions Руди Беннетом в 1967 году Робби уходит и начинает поиск музыкантов для своего нового коллектива. Так появилась группа Six Young Riders, где помимо Леувена играли Хенк Смитскамг и Рене Ноделейк. Группа выпустила сингл "Let the circle be unbroken" и распалась в том же 1967 году.
Робби ван Леувен собирает новых музыкантов: вокалиста Фреда де Вилда, басиста Клаше ван дер Вала и ударника Корнелиуса ван дер Бека. Группа получила название «Shocking Blue». В 1968 году на место вокалиста приходит Маришка Вереш.
О музыке группы, своём стиле написания и исполнения песен он отзывался в то время так: «Иногда говорят, что я работаю исключительно на зарубежный рынок – это не так. Нидерланды – это весьма точный барометр. Если не сработает в Нидерландах, за границей можно даже не пытаться. Прошло время, когда мы были позади, теперь наоборот – мы явно идём первыми. Меня так раздражает вся эта язвительная чушь в наш адрес.
Признаюсь, я не сложный. Люблю природу, кантри и вестерн, люблю выпить и рок-н-ролл – приятный и незатейливый. Что в этом такого? Потому у меня и тексты простые. На концертах мы в основном исполняем собственные знакомые всем композиции. Время от времени добавляем в репертуар кое-что из старых малоизвестных рок-песен. Нет, я буду писать один. Не думаю, что смогу делать это вместе с кем-то – я слишком долго занимался этим один.»
В 1973 году Леувен на время покидал группу, а его место занимал Мартин ван Вейк. В 1974 году из группы ушла и Маришка, решившая начать сольную карьеру, после чего группа распалась.
В середине 1970-х Робби собрал экспериментальную группу «Galaxy Lin», в звучании которой были заметны элементы фолка и джаза. В конце 1970-х он запустил проект «Mistral». Результат его – три сингла, и на всех трёх пели разные вокалистки: Сильвия Ван Астен, Маришка Вереш и на самом знаменитом, «Starship 109» – Мариан Шаттеляйн.
В 1979 году Робби хотел возродить Shocking Blue, была даже записана песня «Louise». Тем не менее, песня не была выпущена, а воссоединение не состоялось. Он говорил, что единственной причиной, почему воссоединение не состоялось, была Маришка, но не объяснил, почему.
После распада Мистраля в начале 80-х, Леувен переехал из Гааги в Люксембург, где спокойно жил вдали от шоу-бизнеса до возвращения в Нидерланды в 1996 году.Сегодня ему исполняется 82 года

40 лет назад - 27 октября 1986 года - была создана группа «Прощай, молодость!»
Дуэт Андрея Якушина (вокал) и Сергея Тененбаума (рояль) сложился на обломках группы «Ответный чай».
На московском рок-фестивале «Панорама-87» он оказался среди фаворитов. Как писала «Звуковая дорожка Московского Комсомольца» — дуэт «Прощай, молодость» просто ошарашил зрителей изящной иронией (и быстренько покинул сцену, пока те не успели опомниться).
На своих голубых экранах советские граждане увидели новую группу в 1987 году во время трансляции телемоста «Рок и вокруг него» между Москвой и Ленинградом. Хрупкий очкарик с цветком в изящно изогнутой лайке пел «Сюрреализм»: городской романс с декадансом Вертинского, наложенный на пульс новой волны. Получилось очень красиво, изящно, чуть по-пижонски и очень интеллигентно-хитово.
В 1988 году вышел, наверное, лучший альбом советской новой романтики и синти-попа — сплит «Прощай, молодость» и «Биоконструктора».
«Прощай, молодость» не нашла себе места на рок-сцене. Тененбаум уже в 1989 году пошел играть на клавишах в «Бригаду С», его место занял Роман Рябцев, но потом он решил собрать свою версию «Депеш мод» — «Технологию».
В 1996 году дуэт собрался в оригинальном составе и выпустил альбом «Песни взрослых мальчиков». Но успеха первой записи он, увы, не достиг, а интересных свежих идей в нем не было.
Группа существует до сих пор, как проект Андрея Яушина и иногда радует своих поклонников концертными выступлениям

Сингл группы Queen «Богемская рапсодия» (Bohemian Rhapsody) вышел 31 октября 1975 года.
Фредди Меркьюри начал писать песню еще в 1968 году, когда был студентом. В песне нет привычного припева. Она состоит из нескольких разных частей: баллады, оперного фрагмента и хард-рокового соло.
Музыканты записали около 120–180 вокальных дорожек, а лента на студии изнашивалась настолько сильно, что становилась прозрачной на свету.
Студийные боссы категорически отказывались выпускать песню как сингл, а на радио она попала благодаря хитрости и дружбе.
Песня длилась 5 минут и 55 секунд. Менеджеры звукозаписывающей компании EMI утверждали, что радиостанции никогда не поставят в эфир трек длиннее трех минут.
Руководство считало оперную часть безумием, которое не поймет массовый слушатель. Главе EMI Джону Риду группа принесла трек первой, и он потребовал отрезать оперную часть, на что Фредди Меркьюри ответил жестким отказом: «Всё или ничего».
Как она попала на радио.
Фредди Меркьюри втайне передал копию пластинки своему близкому другу — влиятельному радиоведущему станции Capital Radio Кенни Эверетту.
Меркьюри взял с Эверетта слово не ставить песню в эфир, зная, что тот поступит ровно наоборот. Кенни Эверетт был в таком восторге, что за одни только выходные проиграл трек в эфире 14 раз (сначала по частям, а потом целиком).
В понедельник утром тысячи слушателей осадили музыкальные магазины Великобритании с требованием продать им песню, которой еще даже не было в производстве. Звукозаписывающей компании EMI пришлось срочно уступить музыкантам и запустить сингл в печать без каких-либо изменений.
Если бы Фредди Меркьюри уступил давлению продюсеров и сократил песню, музыкальная история потеряла бы один из своих главных шедевров, а судьба самой группы Queen могла пойти по совершенно другому сценарию. Настойчивость Фредди доказала всей индустрии важный прецедент: художник, а не менеджер в костюме, должен решать, как звучит искусство.

Почему Ринго Старр продолжает выступать в 86 лет? Потому что может
Во время видеозвонка на виртуальном фоне за спиной Ринго Старра колышутся пальмы. Сам Ринго — в солнцезащитных очках с золотистой оправой, расстегнутой джинсовой рубашке поверх черной футболки и с привычной аккуратной бородой. Журналист The Washington Post Тимоти Белла собирается поговорить с ним о музыке, гастролях и возрасте.
Но начинается разговор с брокколи. Ринго объясняет, что по-прежнему ест ее, если она подходит к блюду. Накануне вечером у него было ризотто с грибами, а рядом на тарелке лежала брокколи. Музыкант делает паузу и уточняет: «Которую я съел».
7 июля Старру исполнилось 86 лет. Он выпускает пластинки, ездит на гастроли и не собирается менять привычный ритм жизни. Сэр Ринго говорит о вегетарианском питании, физических упражнениях и о том, что старается больше ходить. Он делает упражнения с весами, хотя и не рассчитывает когда-нибудь обзавестись мускулатурой Арнольда Шварценеггера. Все это нужно ему для практической цели: сохранять силы на концертах.
Гитарист Toto Стив Люкатер, выступающий со Старром с 2012 года, рассказывает, что сэр Ринго даже после двухчасового концерта продолжает прыгать перед публикой. Люкатер шутит: в такие минуты зрительницы смотрят на сидящих рядом мужей так, словно спрашивают, почему те не могут так же. За пределами сцены, по словам Стива, Старр тренирует голос, играет на барабанах, разгадывает сложные судоку и проводит на беговой дорожке по 45 минут в день.
На вопрос, сколько еще Ринго собирается гастролировать, Люкатер отвечает встречным вопросом: «А чем еще заниматься?» У Ринго действительно есть чем заняться. В 2026 году он отправился в очередной тур с All Starr Band. Вместе с ним выступают Люкатер, Колин Хэй, Уоррен Хэм, Хэмиш Стюарт, Грегг Биссонетт и Бак Джонсон. All Starr Band существует почти четыре десятилетия — намного дольше, чем просуществовали Битлз. В основе проекта простая идея: друзья-музыканты играют не только песни Ринго, но и собственные хиты, передавая друг другу место у микрофона.
В апреле вышел «Long Long Road», 22-й сольный студийный альбом Старра. Одним из его продюсеров стал Ти-Боун Бернетт, с которым музыкант записал и предыдущую кантри-пластинку «Look Up». В новых песнях по-прежнему слышна любовь Ринго к американской музыке, на которой он вырос: рядом с кантри здесь есть и рок-н-ролльные интонации. Среди гостей пластинки — Шерил Кроу, Билли Стрингс и St. Vincent. Старр, когда-то исполнявший с Битлз песни Карла Перкинса, и сейчас возвращается к его репертуару.
При этом Ринго прекрасно знает, чего ждет публика. На концертах особенно тепло встречают «Yellow Submarine» и «Octopus's Garden». Его это не раздражает. Старр разговаривает со зрителями, отвечает на их знаки внимания и рассказывает, что порой так увлекается общением, что забывает вовремя вступить.
За установкой он, по собственным словам, ориентируется на песню и исполнителя: задача барабанщика — держать ритм и делать сбивку там, где она действительно нужна, не перебивая эмоциональную фразу вокалиста. Барабанщик группы Брюса Спрингстина E Street Band Макс Вайнберг, давний поклонник и друг Старра, считает именно это чувство ритма одной из причин, по которым музыка Битлз держалась как единое целое.
Говоря о своем фирменном звучании, сэр Ринго вспоминает историю почти семидесятилетней давности. Когда он был подростком, отчим Гарри Грейвс подарил ему на Рождество подержанную барабанную установку. Она выглядела не слишком привлекательно, а юному музыканту хотелось барабаны марки Ajax. Со временем он получил желанный инструмент — и потом много лет жалел о том, что расстался с первым. У старых барабанов был более низкий, глубокий звук, который он тщетно пытался вернуть. Позднее Ринго даже стелил на барабаны полотенца, чтобы приглушить звучание и сделать его более глухим.
Грейвс любил ранний рок-н-ролл — Джерри Ли Льюиса, Бадди Холли и других исполнителей 1950-х. Но подражать прямолинейному ритму некоторых их песен Ринго не удавалось: в его игре неизменно возникало едва заметное свинговое «покачивание». Он не стал избавляться от этой особенности, которая превратилась в часть его музыкального стиля.
В 1962 году Старр ушел из Rory Storm and the Hurricanes и заменил Пита Беста за барабанами Битлз. Вскоре он уже участвовал в записи дебютного сингла группы «Love Me Do», а в феврале 1964 года вместе с остальными оказался перед многомиллионной американской телеаудиторией в шоу Эда Салливана. Белла обращает внимание на эпизод продолжительностью около 16 секунд, когда камера показывала одного Ринго за установкой Ludwig, стоявшей на возвышении: вокруг кричали зрители, но барабанщик продолжал играть и слегка улыбался.
Впрочем, если в начале карьеры Ринго нужно было найти свое место среди других музыкантов, то сейчас он сам собирает вокруг себя группу. По словам Люкатера, Старру нравится знать, кто стоит рядом на сцене, и чувствовать себя среди друзей. Он шутит, что с одной барабанной установкой не выйдешь к публике и не исполнишь «Yesterday» или «Photograph».
Есть у сэра Ринго и новая песня — совместная с Полом Маккартни. В мае 2026 года на альбоме Пола «The Boys of Dungeon Lane» появилась «Home to Us» — их первый вокальный дуэт, в котором оба исполняют полноценные партии. Все началось с барабанной импровизации Старра с продюсером Эндрю Уоттом в 2024 году. Позднее запись услышал Маккартни и решил превратить ее в песню. Сначала Ринго должен был спеть только припев, но Пол предложил ему спеть песню целиком вместе с ним. Для обоих это оказалось новым опытом: прежде Маккартни не раз приезжал записывать бас-гитару для песен друга, но полноценным дуэтом они не пели.
Сам Белла помнит другое совместное выступление битлов. 7 июля 2010 года родители привели его в нью-йоркский Radio City Music Hall на концерт в честь 70-летия Старра. В конце вечера Ринго уже собирался отправиться в гримерку, но Барбара Бах попросила мужа ненадолго задержаться. Ни участники группы, ни техническая команда заранее не рассказали ему, что готовится сюрприз. На сцену неожиданно вышел Маккартни и начал играть «Birthday». Ринго успел вернуться к барабанам и присоединиться к нему.
Шестнадцать лет спустя журналист напоминает Старру об этом вечере. Для Ринго неожиданное появление Пола осталось одним из тех моментов, когда можно просто забыть обо всем и играть. После финала Маккартни обнял именинника, а тот показал публике знак мира. Когда концерт наконец закончился, Ринго тихо сказал самому себе: «Спасибо, Господи. Это было здорово».

Ринго Старр о «Rubber Soul»: «Не помню, чтобы тогда музыка казалась мне другой. Но мы сами изменились»
К выходу расширенного переиздания «Rubber Soul» журналист Джефф Слейт подготовил для The Daily Beast статью о том, как изменились Битлз во время записи альбома 1965 года и какое влияние пластинка оказала на других музыкантов. В материале представлены воспоминания Ринго Старра, а также комментарии Джайлса Мартина, историка Кеннета Уомака и дизайнера Джона Коша. Для полноты контекста добавлены фрагменты прежних интервью Слейта с Брайаном Уилсоном и Роджером Макгинном.
Сэр Ринго рассматривает обратную сторону конверта «Rubber Soul» с фотографиями и названиями песен и ненадолго замолкает. Конкретные истории того времени ему вспомнить трудно, но он рассказывает, что группа только вернулась из Америки, а на новый альбом оставалось несколько недель. «Не помню, чтобы тогда музыка казалась мне другой. Но мы сами изменились», — говорит Старр.
К октябрю 1965 года Битлз уже выпустили пять альбомов, сняли два фильма и объездили с концертами весь мир. Знаменитыми они были около трех лет, и за это время группа прошла путь от ранних хитов «Love Me Do» и «She Loves You» до «Help!» и «Yesterday». Слейт видит в «Rubber Soul» момент, когда накопленный опыт стал заметен и в самих песнях.
На работу почти не оставалось времени. После съемок фильма «Help!» Битлз провели американские гастроли, начавшиеся концертом на стадионе «Ши» в Нью-Йорке. Затем у них было несколько недель отдыха, но за это время нужно было подготовить и материал для следующей пластинки. Запись «Rubber Soul» началась 12 октября и заняла около месяца: группе предстояло выполнить контрактные обязательства и успеть выпустить пластинку к рождественскому сезону. Параллельно музыканты записали «Day Tripper» и «We Can Work It Out» для сингла с двумя сторонами A.
Уомак подсчитал, что на запись ушло 17 студийных сессий. Джайлсу Мартину, который работает над новыми изданиями каталога Битлз, их тогдашний рабочий график кажется «совершенно безумным». Главным для Ринго было другое: стоило прозвучать отсчету перед дублем, как все четверо полностью включались в работу. Музыканты, по его словам, настолько хорошо чувствовали друг друга, что словно читали мысли товарищей.
Одна из перемен была связана с самими песнями. После знакомства с Бобом Диланом Битлз стали внимательнее относиться к текстам. Роджер Макгинн из The Byrds в беседе со Слейтом в 2019 году вспоминал, что Дилан упрекал битлов за недостаточную содержательность прежних хитов. Макгинн полагает, что этот разговор повлиял на группу. Слейт особенно выделяет новые черты в песнях Джона Леннона — наблюдательность, иронию и внимание к собственным переживаниям, заметные, например, в «Norwegian Wood (This Bird Has Flown)».
Менялась и музыка. Ранние записи Битлз во многом опирались на ритм-н-блюз и звучание Motown, а на «Rubber Soul» заметно влияние более жесткого соула, который выпускал мемфисский лейбл Stax. Уомак предлагает сопоставить «Drive My Car» и «Michelle». В первой Маккартни поет в непривычной для себя резкой манере, во второй возвращается к мягкому, мелодичному вокалу. Гитарная партия Джорджа Харрисона в «Drive My Car», по мнению историка, напоминает записи Stax, это нельзя назвать подражанием. Уомак считает, что именно способность переходить от одного музыкального языка к другому показывает, насколько свободно чувствовали себя Битлз в студии.
Перемены заметили и другие музыканты. В интервью 2016 года Брайан Уилсон из The Beach Boys рассказывал Слейту, какое впечатление произвел на него «Rubber Soul». Ему захотелось создать альбом не хуже, и он сел за фортепиано сочинять «God Only Knows». На следующий день к работе над текстом присоединился Тони Эшер. По словам Уилсона, именно «Rubber Soul» вдохновил его на «Pet Sounds».
Макгинн говорил о другой реакции: ему показалось, что в музыке Битлз появилось что-то родственное The Byrds, при этом песни стали содержательнее. Слейт же отмечает: хотя «Revolver» и «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band» позднее еще заметнее изменили представление о возможностях поп-альбома, именно «Rubber Soul» заставил многих слушателей воспринимать пластинку как самостоятельное произведение, а не просто собрание отдельных песен.
О переменах говорила и обложка. Фотограф Роберт Фримен, показывая готовые снимки, проецировал их на белый картон размером с конверт пластинки. Картон случайно завалился назад, и лица на снимке вытянулись. Битлам понравился неожиданный эффект, и Фримен сумел воспроизвести его при печати. Как позднее вспоминал Пол Маккартни, искаженное изображение к тому же хорошо сочеталось с названием «Rubber Soul».
Дизайнер Джон Кош, впоследствии работавший над оформлением «Abbey Road» и «Let It Be», видит в этой обложке еще одну перемену. До «Резиновой души» оформление пластинок в значительной степени определяли художественные отделы звукозаписывающих компаний. После «Rubber Soul», а затем «Revolver» и «Sgt. Pepper's» сами музыканты получили гораздо больше возможностей влиять на внешний вид своих альбомов — вплоть до выбора отделки конверта и дополнительных вкладышей.
Новое издание «Rubber Soul», вышедшее 2 октября 2026 года, позволяет вернуться к этой истории. Джайлс Мартин и Сэм Окелл подготовили новый стереомикс и микс Dolby Atmos. В расширенную коллекцию вошли оригинальный моноальбом, американская версия пластинки с другим списком песен, сингл «Day Tripper» / «We Can Work It Out», а также ранее не издававшиеся дубли и домашние демо.
У Кеннета Уомака возникает более масштабный вопрос: когда слушателям станет доступен весь сохранившийся архив Битлз? Он предлагает создать платное онлайн-хранилище, где поклонники смогут изучать записи разных этапов работы над песнями. Особенно важным Уомак считает такой доступ для молодых слушателей, которым интересно не только услышать законченный альбом, но и понять, как он создавался.

лифф Ричард рассказал, как Джордж Харрисон спел ему «From Me To You»
На встрече с поклонниками Клифф Ричард рассказал, как в 1963 году Джордж Харрисон спел для него «From Me To You».
По словам Ричарда, на вечеринке у гитариста The Shadows Брюса Уэлча он вместе с хозяином дома, Хэнком Марвином и участниками Битлз оказался на кухне. Когда у группы спросили, какой сингл выйдет следующим, Уэлч передал гитару Харрисону и предложил спеть. Джордж начал «From Me To You». «Вот черт», — так Ричард описал свою реакцию: он сразу понял, что Джон Леннон и Пол Маккартни сочинили еще один хит.
Ричард также пошутил, что за долгую карьеру у него, возможно, было больше хитов, чем у Битлз, ведь он выступает дольше. «И к тому же я все еще жив! — добавил он. — Но едва-едва».
На 27 ноября запланирован выход альбома кавер-версий Ричарда «Only Number Ones». В него вошли две песни Битлз — «From Me To You» и «I Should Have Known Better», а также «My Sweet Lord» Джорджа Харрисона

63 года сегодня, 31 октября, празднует Микки Ди - шведский барабанщик, участник группы Motörhead с 1992 года до распада группы в 2015 году. С 2016 года по сей день играет в группе Scorpions.
Родился в Гётеборге. После начала музыкальной карьеры с местными группами Nadir и Geisha, Микки в 1985 году приехал в Копенгаген, и присоединился к группе King Diamond. С ними он записал 4 альбома.
В 1990 году Микки играл с группой Don Dokken, был записан альбом Up from the Ashes.
Музыкант принял участие в записи альбома Motörhead — March or Die, сыграв на ударных для песни Hellraiser. В 1992 году Микки соглашается на предложение Лемми (звучавшее с 1985 года) о присоединении к Motörhead. Первый концерт в обновлённом составе состоялся 30 августа 1992 года, с тех пор Микки — бессменный член группы.
После смерти лидера Motörhead Лемми и распада группы, Микки в 2016 году присоединился к Scorpions, заменив Джеймса Коттака, выбывшего из-за проблем со здоровьем.

Сегодня солистка Jefferson Airplane Грейс Слик тётя лет 85-ти, в молодости она была популярна, материлась в телеэфире. И еще собиралась подсыпать ЛСД в чай Ричарду Никсону. Грейс была из хорошей семьи, ходила в школу для хороших девочек. Отец - инвестиционный банкир, мать - домохозяйка. Никто не знает когда её крыша съехала окончательно. Размеренная жизнь 50-х надоела обществу. Другое дело, рок-н-ролл. Только и забот, что веселиться, тратить деньги и дел-то, с кем-нибудь перепихнуться . Грейс понесло. И не только её. Джим Морриссон во время их первой встречи стоял на четвереньках и включал волка. Он выл на луну. Для Джима это было обычным делом. Но на Слик это произвело впечатление. Некоторое время спустя она отправилась к нему в номер. Измазавшись клубникой, испачкав всё вокруг, они занялись любовью . Ей казалось, что это был секс с произведением искусства. Артобъект имел глаза и менял формы. Было духовно, а может просто душевно. Он был ничего так, хорошо сложен, членик чуть больше среднего. Он не перезвонил потом и она была немного разочарована. Возможно Слик была не в его вкусе. Джим был странным. Она хотела поговорить об усилителях, спрашивала что-то, а он отвечал ей что-то про покрасить машину без грунтовки, тогда цвет будет не тот.
Jefferson Airplane дали концерт на крыше в Нью-Йорке за два месяца до того, как у Битлз сделали это в Лондоне.
Она была непослушной девочкой. Не слушалась правоохранителей и не подчинялась законам. Она много пила в 70-е. Однажды бухнув , она решила погоняться с Йормой Кауконеном на машинах и врезалась в бетонную стенку. Слик повезло. Бетонная стена пострадала сильнее.
Все главные мужчины в её жизни, которых она любила имели общее. Они были участниками ее группы. Йорма Кауконнен, Джерри Слик, Джек Касади, Спенсер Драйден, Пол Кантнер.
Все 80-е она не бухала. Грейс Слик считает, что это было её ошибкой.

Песня «Michelle» — один из самых утонченных шедевров The Beatles, завоевавший премию «Грэмми» как лучшая песня года. Самое интересное, что её корни уходят в те времена, когда группы The Beatles еще даже не существовало, а сам трек родился из шутки Пола Маккартни.
В конце 1950-х годов среди ливерпульской арт-студенческой молодежи (где вращался Джон Леннон) было безумно модно косить под французских интеллектуалов-экзистенциалистов. Молодые люди носили черные водолазки, курили французские сигареты «Житан» и рассуждали о философии.
Пол Маккартни, который тогда еще учился в школе, приходил на эти вечеринки к Леннону. Чтобы вписаться в тусовку и повеселить друзей, он надевал черную водолазку, садился в угол с гитарой и наигрывал псевдофранцузскую мелодию, издавая носом гундосые звуки, имитирующие французский язык. Долгое время это было просто шуточным номером для вечеринок.
Осенью 1965 года, во время жесткого цейтнота перед записью альбома Rubber Soul, Джон Леннон вспомнил про этот «французский номер» Пола и предложил: «Помнишь ту твою французскую штуку? Из неё выйдет отличная песня, займись ей».
Маккартни взялся за текст, но понял, что его школьного французского не хватает. Тогда он обратился за помощью к Джен Вон — жене своего старого друга Ивана Вона (того самого, который когда-то познакомил Пола с Джоном). Джен работала учительницей французского языка.
Пол попросил её подобрать красивое французское имя из двух слогов. Она предложила: Мишель (Michelle).
Затем Пол попросил перевести фразу: «These are words that go together well» (Это слова, которые отлично подходят друг другу). Джен перевела: «Sont les mots qui vont très bien ensemble».
На следующий день Пол напел ей припев, и Джен подсказала добавить в начало французское «Ma chérie» (Моя дорогая).
Когда Пол показал заготовку Джону, баллада показалась Леннону слишком сладкой. Джон только что купил пластинку американской певицы Нины Симон и вдохновился её кавером на песню «I Put a Spell on You». В этой песне была строчка: «I love you, I love you, I love you».
Джон предложил Полу вставить эту резкую, почти блюзовую вставку («I love you, I love you, I love you...») в самую середину нежной французской баллады. Этот контраст и сделал песню шедевром.
Песня была записана на Abbey Road ровно за один день — 3 ноября 1965 года.
Чтобы песня звучала интимно, Пол Маккартни сам записал основную акустическую гитару, бас-гитару и ведущий вокал.
Знаменитое соло в середине и в конце песни придумал Джордж Харрисон. Ему помогал продюсер Джордж Мартин, который предложил опустить тональность соло на октаву ниже, чтобы оно звучало глубже и напоминало по духу французский шансон.
Джон, Джордж и Ринго записали сложнейшие вокализы на заднем плане (знаменитое «си-си-си»), создавая эффект мягкого, обволакивающего «сверхзвукового» хора.
Ровно через месяц, 3 декабря 1965 года, этот трек вышел на пластинке Rubber Soul и навсегда закрепил за датой 3 ноября статус дня рождения одной из самых красивых баллад в истории музыки

День рождения Градского.
Он нравился далеко не всем, и слава богу.
Кого-то раздражал его голос, многие говорили про его жуткий характер.
Характер был действительно сволочной. Впрочем, с каких пор при оценке таланта на это обращали внимание? И кто из гениев безгрешен, скажите на милость?
Что касается голоса, то он "не червонец, чтобы всем нравиться". Как по мне - так с ним рядом поставить некого. По крайней мере - в его нише. Которая сегодня пустует.
Он был одним таким.
И именно он имел полное право в свое время написать (вслед за Пушкиным)
"Эх, ребята, что за мука,
Если с голосом да слухом
Раздражать народу ухо,
Пробуждая ум и речь..."
И, главное : СЛУШАТЬ НАДО НЕ ТОЛЬКО "КАК МОЛОДЫ МЫ БЫЛИ"!
А взять, например, его альбом "Сама жизнь" на стихи Поля Элюара. Причем, лучше всего сначала почитать стихи. А потом послушать и изумиться, как можно ВОТ ТАКОЕ положить на музыку - без всякой рифмы и размера.
И кто еще на такое способен?
Хорошо написал Агутин сразу после его ухода: "«Как ты мог, Саш Борисыч?! На кого я буду ворчать в кулуарах?! Кого любить и бояться?! Злиться и заискивать?! Прислушиваться и запоминать, делая вид, что и так все знаю?!.. "
А еще у Градского были песни, написанные на собственные стихи, порой весьма резкие. Послушайте, например "Эх, мразь телевизионная...". Там есть такие строки :
"...Да, мы не ждали перемен,
И вам их тоже не дождаться,
Но надо, братцы, удержаться
От пустословия арен
И просто самовыражаться,
Не ожидая перемен..."
....Сегодня ему было бы 77.
И самовыражаться предстоит кому-то еще.
Таковых все меньше.

Если они вообще остались...